Història de la música

Història de la música

La història de la música és l'estudi de les diferents tradicions en la música i la seua orde en el planeta a lo llarc del temps.

Ya que en tota cultura coneguda va haver alguna forma de manifestació musical, l'història de la música comprén totes les societats i époques. No es llimita, com és habitual en alguns àmbits acadèmics, a Occident, no obstant a sovint s'utilisa l'expressió «història de la música» per a referir exclusivament a l'història de la música europea i la seua evolució en el món occidental.

La música d'una determinada societat està estretament relacionada en atres aspectes de la seua cultura, com la seua organisació econòmica, el seu desenroll tecnològic, tradicions, creències religioses, etc. Els gèneros i estils musicals varien àmpliament segons la regió i l'época, incloent música clàssica, folklórica, popular, electrònica i contemporànea.

Els instruments musicals han evolucionat en el temps, adaptant-se a les necessitats culturals i tecnològiques de cada societat. Ademés, els compositors i músics destacats han influït en la direcció de la música, creant obres que reflectixen l'identitat cultural i social de la seua época. La música també es transmet i preserva per mig de la tradició oral, partitures, gravacions i tecnologies modernes, lo que permet estudiar la seua evolució i difusió.

Finalment, la globalisació i el mestiçage musical han generat mescles d'estils i gèneros, mostrant cóm la música és un reflex dinàmic de l'interacció cultural entre distintes societats a lo llarc del temps.

Música en la Prehistòria (2 500 000 a. C.-5000 a. C.)

Durant anys s'ha demostrat l'íntima relació entre l'espècie humana i la música, i mentres que algunes interpretacions tradicionals vinculaven el seu sorgiment a activitats intelectuals vinculades al concepte de lo que és sobrenatural (fent-la complir una funció de finalitat supersticiosa, màgica o mística), actualment li la relaciona en els rituals de apareament i en el treball colectiu.

Per a l'home primitiu hi havia dos senyals que evidenciaven la separació entre vida i mort: el moviment i el sò. Els ritos de vida i mort es desenrollen en esta doble clau. En el cridat art prehistòric dansa i vora es fonen com a símbols de la vida mentres que quietud i silenci es conformen com a símbols de la mort.

L'home primitiu trobava música en la naturalea i en la seua pròpia veu. També va deprendre a crear sò en objectes rudimentaris com varen ser: ossos, canyes, troncs, closques, etc

Hi ha constància de que cap a el 3000 a. C. en Sumer ya contaven en instruments de percussió i cuerdo (lira i arpa). Les vores cultes antigues eren més be llamentacions sobre texts poètics.

En la prehistòria apareix la música en els rituals de caça o de guerra i en les festes a on, al voltant del fòc, es dansava fins a l'agotament. La música està basada principalment en ritmes i moviments que imiten als animals. Les manifestacions musicals de l'home consistixen en l'exteriorisació dels seus sentiments a través del sò emanat de la seua pròpia veu i en la finalitat de distinguir-ho del parla que utilisa per a comunicar-se en atres sers.

Els primers instruments varen ser objectes, utensilis o el mateix cos de l'home que podien produir sons. Estos instruments podem classificar-los en:

a) Autófonos: aquells que produïxen sons per mig de la matèria en la que estan construïts. Són instruments de percussió; per eixemple, os contra pedra.

b) Membranófonos: série d'instruments més senzills dels construïts per l'home. Tambors: fets en una membrana tirant, sobre una anou de coco, un recipient qualsevol o una verdadera i autèntica caixa de resonància.

c) Cordófonos: són aquells de corda; per eixemple, l'arpa.

d) Aerófonos: el sò s'origina en ells per vibracions d'una columna d'aire. Un dels primers instruments és la flauta, en un principi construïda en un os en forats.

Món antic (5000 a. C.-476 d. C.)

Artícul principal → Música en l'Antiguetat.

Antic Egipte i Mesopotamia

La música en Egipte posseïa alvançats coneiximents que eren reservats per als sacerdots. En l'Imperi Nou utilisaven ya l'escala de sèt sons. Este poble contava en un instrumentario ric i variat; alguns dels més representatius són l'arpa, com a instrument de cordes, i l'oboe doble com a instrument de vent. En Mesopotamia els músics eren considerats persones de gran prestigi; acompanyaven al monarca no solament en els actes de cult, sino també en les suntuosas cerimònies de palau i en les guerres. L'arpa era un dels instruments més apreciats en Mesopotamia. L'expressió musical de Mesopotamia és considerada orige de la cultura musical occidental.

Antiga Grècia

En l'Antiga Grècia, la música es va vore influïda per totes les civilisacions que la rodejaven, donada la seua important posició estratègica. Cultures com la mesopotámica, etrusca, egipcíaca o inclús les indoeuropeas varen ser d'important influència tant en les seues músiques com en els seus instruments musicals. Els grecs donaven molta importància al valor educatiu i moral de la música. Per això està molt relacionada en el poema épico. Apareixen els barts o aedos que, acompanyats d'una lira, vaguen de poble en poble mendigando i guardant memòria oral de l'història de Grècia i les seues llegendes. Va ser llavors quan es va relacionar la música estretament en la filosofia. Els sabio de l'época resalten el valor cultural de la música.

Posteriorment apareix en Atenes el ditiram, vores dirigides a Dionisos, acompanyats de danses, i l'aulós, un instrument semblat a la flauta. Sorgixen aixina mateix dramas, tragèdias i comèdias d'una manera combinada pero sense perdre la dansa, la música i la poesia.

Els principals instruments utilisats en Grècia varen ser la lira, la kithara, el aulós, la siringa (també cridada flauta de Pa, per la seua creació mitològica que involucra a Pa i Siringa), varis tipos de tambors com per eixemple el tympanum (sempre en mans de dònes), els crótalos, el címbalos, el sistro i les castañuelas.

Antiga Roma

En el II Grècia va ser conquistada per Roma, i encara que abdós cultures es varen fondre, Roma no va aportar res a la música grega, més que el llegat del llatí a les vores gregorianos. Això sí, va evolucionar a la manera romana, variant en ocasions la seua estètica. Habitualment s'utilisava la música en les grans festes, pero abans, la música era implementada principalment per a ritos cristians i alabanzas que contenien els salms. Eren molt valorats els músics virtuosos o famosos, afegint vertents humorístiques i distendidas a les seues actuacions. Estos músics vivien d'una manera bohemio, rodejats sempre de festes.

En els teatres romans o amfiteatres es representaven comèdies a l'estil grec. Els autors més famosos varen ser entre uns atres Plauto i Terencio. La tragèdia va tindre transcendència sent el seu màxim cultivador Séneca. La música tenia un paper transcendental en estes obres teatrals.

A partir de la fundació de Roma succeïx una fita musical, els ludiones. Estos eren uns actors d'orige etrusc que ballaven al ritme de la tébea (una espècie de aulós). Els romans intenten imitar estos arts i afigen l'element de la música vocal. A estos nous artistes se'ls va denominar histriones que significa ballarins en etrusc. Cap música d'este estil ha aplegat fins a nosatres llevat un chicotet fragment d'una comèdia de Terencio.

Quan l'imperi romà es consolida, aplega l'immigració que enriquix considerablement la cultura romana. Varen ser rellevants les aportacions de Síria, Egipte i les que provenien de la península ibèrica, actual Espanya. Tornen a aparéixer antics estils com la citarodia (versos en cítola) i la citarística (cítola sola virtuosa). Eren habituals els certàmens i competicions en esta disciplina.

La música en la Chinenca Antiga: simbologia i textura en la música tradicional chinenca

Artícul principal → Cultura de China.

Des dels temps més antics, en China la música era tinguda en màxima consideració. Totes les dinasties li dediquen un apartat especial. Encara hui la música chinenca està impregnada de la tradició secular, llegendària i misteriosa d'una de les #filosofia més antigues del món.

L'explicació acústica que sustenta este sistema musical és el de la quinta bufada. Si bufem en força en un tubo tancat, corresponent, per eixemple, a fa₄ s'obtindrà una quinta justa superior, és dir do₅. Pero este do₅ també es pot obtindre bufant normalment en un atre tubo que medixca dos terços de la llongitut del primer.

En tallar-se un tercer tubo, que medixca dos terços de do₅ s'obtindrà una quinta justa superior a do₅, és dir, sol₅. Com este sò està molt alluntat de huang-chung, es duplica la seua llongitut i s'obté sol₄, ya que la relació doble correspon a l'octava.

Pero els teòrics chinencs es varen donar conte de que podien obtindre eixe mateix sol₄, tallant un tubo que medira quatre terços de do₅.

Treballant aixina, i sempre successivament en les relacions dos terços i quatre terços, varen aplegar a l'escala dels 12 lu, en la qual s'alcança l'octava. No l'octava justa, per cert, ya que la raó 1:2 mai equival a l'equació 12 2/3. Varen obtindre llavors, una escala dodecafónica de temperament desigual.

El perill d'esta escala cíclica és que, per més precaucions que s'adopten, les fraccions es fan cada volta més complicades i irreducibles a número entero. Si otorguem el número ochenta y uno al huang-chung i li apliquem el principi cíclico (2/3-4/3) en aplegar al sext lu comencen números en fraccions, i cada volta es fan més complicades les equacions a realisar: 81-54-72-48-64-42,666-56,888-etc., mers lu per a la seua escala usual.

En el IV els teòrics chinencs varen tractar d'archivar les quintes per a alcançar l'octava, és dir, varen intentar el temperament igual, pero solament en l'any 1596 el príncip Tsai-Yu propon afinar els tubos segons un principi equivalent al temperament igual.

Cada volta que un tubo masculí produïx un de femení, el masculí, és espós i el femení esposa. Cada volta que un tubo femení produïx un de masculí, el tubo femení és la mare i el masculí el fill.

Els cinc primers sons del cicle de quintes constituïxen l'escala usual bàsica, pentatónica anhemitonal (sense semitonos).

Música de l'Edat Mija (476-1450)

Artícul principal → Música medieval.

Artícul principal → Anexe:Compositors medievals.

Els orígens de la música medieval es confonen en els últims desenrolls de la música del periodo tardà romà. L'evolució de les formes musicals apegadas al cult es va resoldre a finals de el VI en el cridat vora gregoriano. La música monódica profana va començar en les anomenades cançons de goliardos (ss. XI i XII) i va alcançar la seua màxima expressió en la música dels menestrelli, juglarés, trobadorés i troveros, junt als minnesinger alemans. En l'aparició en el XIII de l'escola de Nôtre-Dona'm de París, la polifonia va alcançar un alt grau de sistematisació i va experimentar una gran transformació en el XIV en el cridat Ars Nova, que va constituir la base de la que es va servir el humanisme per al procés que va culminar en la música de la Renaixença.

La música en l'Iglésia catòlica primitiva

Artícul principal → Rito llitúrgic catòlic.

Constantino va otorgar llibertat de cult als cristians en Roma en l'Edicte de Milà cap a l'any Plantilla:DC Este nou esperit de llibertat va impulsar als primers cristiàs a alabar a Deu per mig de càntics. Estos cristians primigenis, buscant una nova identitat no desijaven utilisar els estils musicals predominants pagans de la Roma d'aquella época.

Per a unificar els criteris musicals cristians, es va introduir melodies orientals. cal recordar que la música en Grècia es troba més relacionada en Àsia que en Europa. Els Salms són vores llitúrgiques continguts en el Antic testament dins del Llibre dels salms, ells són d'orige hebreu i els himnes són cançons de alabanza de tradició helènica. Són estes formes de música d'orige oriental i basades en una melodia cantada solament en la veu humana i sense acompanyament instrumental de cap tipo, les que varen donar forma a la música des de llavors i fins a principis del segon mileni.

En un document escrit per Plinio el Jove en l'intenció d'informar a l'emperador Trajano sobre les costums dels cristians, trobem una interessant referència de la seua música: «... ells (els cristians) tenien la costum de reunir-se en un dia específic al alba, per a alabar a Crist com si d'un deu es tractara, en una vora alterna».

La vora alterna és aquell que es desenrolla entre dos cors, un dels quals canta una estrofa i l'atre li respon. En la llitúrgia catòlica se li coneix com antífona, i es pot cantar en la participació de dos cors o d'un soliste i la congregació.

Sant Ambrosio, bisbe de Milà, va introduir en Antioquía càntics en forma d'antífona. Va compondre al mateix temps himnes. Els seus himnes junt en uns atres ya existents pronte es varen propagar per tota Itàlia. Per les freqüents amenaces contra l'Imperi romà per part de les tribus bàrbares va existir una gran agitació que va provocar una dispersió de les melodies i l'alteració de les mateixes en cada regió.

La vora gregoriano

Artícul principal → Cante gregoriano.

La vora gregoriano és una vora llitúrgica de l'Iglésia catòlica. És utilisat com a expressió i mensage dins del cult i aixina mateix com a mig d'expressió religiosa. Les principals característiques generals d'este estil musical són les següents: normalment són obres d'autor desconegut, són cantades solament per hòmens, monódicas cantades a capela sense ornaments instrumentals, són obres escrites en llatí cult, el ritme és lliure, l'àmbit de la seua interpretació és reduït a poques persones, la melodia es mou graus conjunts i els cridats huit modos gregorianos, té forma de diàlec oratorio d'oracions i per això són vores austeres.

Estes vores monódicos poden classificar-se segons: el moment de la llitúrgia o del dia en el que són interpretades, segons el íncipit lliterari poden ser himnes, salms, càntics de alabanza, etc.; segons el model d'interpretació, si són de tracto solista o congregatorio, antifonal (alternación de dos cors), #responsori de soliste i cor o d'estil coral directe.

Atres tipos de vora

• Vora ambrosiano propi de la llitúrgia ambrosiana o milanesa: vora de finals de el IV, que creen l'himne i influïx en la vora gregoriano que serà la nova vora oficial.
• Vora hispànica o mozárabe propi de la llitúrgia del mateix nom: vora mantinguda en les regions d'al-Ándalus, els centres seran Còrdova, Sevilla, Toledo i Saragossa. En 1076, és substituït per la vora gregoriano, menys en aquelles ciutats que solicitaven una dispensa per a mantindre la seua pròpia vora, com va ser la ciutat de Toledo.
• Galicano: vora pròpia de l'Iglésia franca que va ser substituït per la llitúrgia romana.

Vore també

• Llitúrgia catòlica
• Seqüència (llitúrgia)
• Missa (música)
• Vora mozárabe

Música de la Renaixença (1450-1600)

Artícul principal → Música renaixentista.

Artícul principal → Anexe:Compositors renaixentistes.

Escola flamenca

És en la regió flamenca (dels Països Baixos) a on, pel seu desenroll econòmic, la polifonia va rebre un major impuls i va alcançar el seu màxim esplendor entre els sigles XV i XVI. Els músics de Flandes pronte es varen distinguir per una tècnica de contrapunt excelsa, i una inspiració casi divina. En poc temps, açò es va vore reflectit en una major influència per part dels músics flamencs en tots o casi tots els centres musicals d'Europa. A on hi havia polifonia es podia trobar a un músic flamenc. Açò es va vore, ademés, potenciat gràcies a l'edificació d'enormes catedrals, en a on varen ser creades una gran cantitat de schola cantorum.

Ya per a finals de XV, va aparéixer en l'escena musical un gran personage, de qui es diu va salvar a la música polifònica dels designis del sant pare: Josquin Dones Pres. Encara que de nacionalitat francesa, va viure des de molt jove en Itàlia. En el seu estil va captivar a més d'un, va mostrar gran mestrage en el maneig del contrapunt i va fer us del semitono. Es diu que Dones Pres escrivia tan sol quan li donava la gana: alguna cosa rar en la seua época i el començ d'una gran llibertat per als compositors.

Música renaixentista francesa

La chanson, música de tipo cordal que desembocarà en el madrigal. En ell destaquen Pierre Attaignant, Clément Janequin i Claude Li Jeune (1528-1600). Les peculiaritats d'estos compositors són l'enorme lluentor i força rítmica, que donen a la seua música un caràcter enormement extrovertido, es va distinguir per tindre realisme expressiu, descriu la naturalea i resalta l'expressió del text. Un dels seus exponents, Clement Janequin, va escriure una de les cançons populars cridada LAhutte. Esta melodia descriu escenes de cacera, quadros de batalla, parloteo de dònes i l'anar i vindre de la gent dels mercats. Ho descriu com si volguera pintar-los en una fresca per a mostrar en la vida comuna.

La vora de la reforma religiosa s'aplica a melodies de cançons populars i s'utilisa per als servicis religiosos en a on intervenien grans grups de persones.

Juan Calvino va utilisar eixa vora massiva al unísono i ho va harmonisar a quatre veus.

Música renaixentista italiana

La música italiana es va vore influenciada pel paper que varen ocupar els compositors flamencs com: Adrián Willaert i els seus discípuls que varen transplantar l'estil polifònic holandés. En menys d'un sigle, Itàlia va reemplaçar als Països Baixos com a centre de la vida musical europea. Existien dos tipos de formes musicals:

• la fróttola, que era un tipo de cançó estrófica, silábicamente musicalizada a quatre veus, en esquemes rítmics marcats, #harmonia diatòniques i un estil homòfon en la melodia en la veu superior. Té varis subtipos com la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solia eixecutar cantant la veu superior i interpretant les atres tres veus a modo d'acompanyament. Els seus texts eren amatorios i satírics. Els seus principals compositors varen ser italians.
• la lauda, contrapartida religiosa de la frottola; es cantava en reunions religioses semipúblicas a capella, o en instruments que tocaven les tres veus superiors. Era en la seua major part silàbica i homófona, en la melodia en la veu superior, cridada música.

Música renaixentista anglesa

En la música de la renaixença anglesa, es destaca el compositor William Byrd, qui va eixercitar un paper crucial en la música de clau; un atre compositor d'alta rellevància és John Dowland, compositor d'esplèndides i reconegudes melodies per a llaüt.

Música renaixentista alemana

Durant el XVII, Alemània vivia la guerra dels 30 anys, el Sacre Imperi Germànic baix l'emperador Felipe II i del seu germà Fernando I, enfrontava una guerra contra el protestantisme en Alemània, per tant les arts en Alemània sofrien una forta repressió per part del clero abans i durant la guerra. Entre uns atres, no estava permés compondre en alemà, no obstant es va donar la pau de Westfalia, per l'intervenció de la moradura Richelieu en la guerra, i les arts varen florir en Alemània, entre els primers compositors en destacar-se estan Esaías Reusner, Johann Pachelbel i Heinrich Schütz, encara que estos no varen escriure la música religiosa en alemà. Un dels primers en compondre en alemà varen ser els organistes Johann Sebastian Bach i Diderik Buxtehude.

Música renaixentista espanyola

Com en les lletres, el XVI és també el Sigle d'Or de la música espanyola. Destaquen les obres dels compositors Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales i Francisco Guerrero.

Entre les obres més importants de la renaixença es destaquen: el Cançoner de palau, música de la cort dels Reis Catòlics (Isabel I de Castella i Fernando II d'Aragó), el cançoner Al-Ándalus, els llibres en sifres per a vihuela d'Alonso Mudarra, els compositors Luis de Narváez, Gaspar Sanz i el madrigalista Juan del Carrasca.

Música Barroca (1600-1750)

Barroc (1600-1750)

Artícul principal → Música barroca.

Artícul principal → Anexe:Compositors del Barroc.

La música barroca és el periodo musical que domina en Europa durant tot el XVII i primera mitat del següent, sent reemplaçada pel classicisme cap a 1750-1760. Es considera que va nàixer en Itàlia i va alcançar el seu màxim esplendor en Alemània durant el barroc tardà. És un dels periodos més rics, fèrtils, creatius i revolucionaris de l'història de la música.

En este periodo es varen desenrollar noves formes i es varen operar grans alvanços tècnics, tant en la composició com en el virtuosisme; aixina tenim: cromatisme, expressivitat, baix sifrat i baix continu, intensitat, òpera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga i la simfonia.

El baix continu

També cridat baix sifrat, designa el sistema d'acompanyament ideat al començament del periodo barroc, i és ademés un sistema estenográfico o taquigráfico d'escritura musical. Com a tècnica de composició, permetia al compositor traçar tan sol el contorn de la melodia i el baix sifrat, deixant les veus miges, o siga la farcidura harmònica, a l'invenció del continuiste. L'eixecució del continu requerix dos instrumentistes: un instrument melòdic greu (viola dona gamba, violoncel, contrabajo, fagot, etc.) que eixecuta les notes del baix i un instrument harmònic (llaüt, clavecín, orgue) a càrrec del continuiste, qui desenrolla de manera improvisada les #harmonia, d'acort en les sifres del baix sifrat, en la forma de concordes, arpegios o atres #figuració, tot això de conforme a l'estil i les necessitats expressives del text musical.

El sistema tonal

El sistema tonal va ser una evolució des dels últims mestres de la música medieval fins al seu màxim esplendor des de Bach als últims compositors tonals del posromanticismo. En els seus començos, es va definir una harmonia musical composta per sèt assunts distints: les notes, els intervals, els gèneros, els sistemes d'escala, els tons, la modulació i la composició de melodies.

Barroc primerenc (1600-1650)

La música en Itàlia durant els sigles XVI, XVII i principis de el XVIII estava vivint el seu apogeu i ademés estava en busca del màxim esplendor artístic, de lo excelso a lo sublim; el regocijo de lo religiós es disputava entre lo humà i lo diví en el camp de batalla que era el Barroc. El theatrum mundi italià vivia baix el precepte de «delectare et movere» (‘delectar i emocionar’). La sprezzatura italiana, donava pas a lo que seria el més gran espectàcul de la veu humana: l'òpera. El concerto grosso italià i l'orquesta italiana varen ser el prototip de composició i d'eixecució a seguir per tota Europa occidental. Els castrati juguen un rol preponderant durant el Barroc italià, eren el Barroc humà, lo bell extravagant i al mateix temps lo grotesc, lo confús o manierista, lo bell en lo monstruoso, la moral i la decaiguda contra l'esplendor suprem de la societat de l'Itàlia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini) immortalisats per una veu que transcendia el concepte de «perfecció», que inclús a alguns va dur a la locada.

El violino italià, una posada en escena del manierisme barroc, era un vehícul més per al virtuosisme del ejecutante que del compositor, que únicament indicava pautes que els intérprets prenien en gran llibertat. Eixemples d'esta época són els dotze concerts de Pietro Locatelli, i el concerto grosso d'Arcangelo Corelli.

• Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621).
• Claudio Monteverdi (1567-1643) va ser un importantíssim compositor italià, un dels primers en desenrollar els recursos barrocs, els que va aplicar extensament a l'òpera, el madrigal i la música religiosa. Va dominar tant els nous estils de començos de el XVII, com els més alvançats recursos de la polifonia franc-flamenca. Va participar intensament en el desenroll de l'òpera veneciano. Va compondre gran cantitat de música religiosa i més de 250 madrigals. Gran part de les seues òperes s'han perdut. Es conserven solament tres: La faula de Orfeo (1607), La tornada de Ulises a la pàtria (1640) i La coronació de Popea (1642). Monteverdi va descollar per la seua llibertat creadora en l'us de les formes, estils i textures antigues i noves, del poder expressiu de l'harmonia i les #dissonància i del poder caracterisador dels instruments de l'orquesta.
• Girolamo Frescobaldi (1583-1643).
• Heinrich Schütz (1585-1672).

Barroc mig (1650-1700)

• Jean Baptiste Lully (1632-1687).
• Dietrich Buxtehude (1637-1707).
• Johann Pachelbel (1653-1706).
• Arcangelo Corelli (1653-1713), compositor i violiniste italià, un dels primers grans impulsors de l'escola italiana del violí i de la música instrumental en Itàlia. Va ser un dels creadors de la forma anomenada concerto grosso. Va compondre també Sonates tant de cambra com d'iglésia. Corelli va ser un dels primers compositors que va aplicar sistemàticament els procediments derivats del Sistema tonal.
• Henry Purcell (1659-1695).
• Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Barroc tardà (1700-1750)

El barroc en la música, al contrari d'atres branques de l'art, perviu una miqueta més en el temps i s'estén fins a la década dels 50 i 60 de el XVIII, quan moren els últims grans exponents de l'época barroca: Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean Philippe Rameau, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach i Doménico Scarlatti.

Els membres de l'última generació important naixen tots entre 1668 i 1685, a on molts d'ells representen el cénit nacional i de l'era en el país a on varen viure: Vivaldi en Itàlia, Bach i Telemann en Alemània, Händel en Anglaterra, Rameau i Couperin en França i Scarlatti en Espanya. Encara que alguns d'ells no solament es apegan a la seua escola nacional i fan una #síntesis i resum de totes les escoles com és el cas de Bach, Händel i Telemann, tots naixcuts en Alemània, encara que Händel es marcha a Itàlia en 1706 per a no tornar jamai i assentant-se en Anglaterra en 1713 fins a la seua mort, convertint-se en el major exponent de l'escola anglesa.

És en esta generació alemana, especialment per Bach, quan el món musical germànic es convertix en la pàtria musical de primer orde, superant a Itàlia i desplaçant-la en ser la màxima potència musical, que durarà fins a principis de el XX, des de Bach fins a Schonberg i la segona escola de Viena.

En esta última etapa del barroc, que comença cap a 1700-1710, quan esta generació escomença a ser activa en el món musical de l'época, la música adquirix i alvança a una nova dimensió sense trencar l'estil barroc en tots els àmbits, des dels gèneros i formes, fins a la forma d'escoltar la música passant pels instruments i instrumentació. El barroc musical adquirix ací una esplèndida madurea, apogeu i una gran refinación inèdita en les dos etapes anteriors, que culminarà especialment en l'obra de Johann Sebastian Bach i Georg Friedrich Händel, les dos grans figures dominants d'este periodo.

La tècnica de la polifonia i el contrapunt encara té una especial importància en esta época, de forma més notable en Alemània i sobretot en Bach, pero l'homofonia adquirix cada volta més auge i importància, convivint les dos tècniques durant algunes décades, de forma a la parell durant esta generació de compositors, alguns d'ells com Bach o Händel, dominant-los en gran mestrage.

Un de les fites més importants de l'últim estil del Barroc és el definitiu assentament de la tonalitat en la música occidental en una de les obres més importants de la música universal, el clau ben temperado BWV 846-893, de Bach, una colecció en dos llibres publicats en 1722 i 1744 que es compon de 24 preludis i fugues cada llibre en els tons del sistema tonal, sent una demostració del sistema tonal que estarà vigent durant casi 200 anys fins a principis de el XX.

En el mateix any del primer llibre, 1722, de forma simultànea encara que independent, es publicara també el primer gran tractat del sistema tonal, el Tractat d'harmonia reduïda als seus principis naturals de Jean Philippe Rameau, que encara que este tractat és imperfecte, s'utilisara com a referència fins a principis de el XX.

Les formes musicals del barroc tardà són pràcticament les mateixes del periodo anterior, pero en chicotetes novetats que seran precedents importants i obriran un camí a alguns dels gèneros més volguts del classicisme vienés de la segona mitat d'eixe sigle: El concert per a teclat i la sonata en acompanyament sense baix continu.

Sobre instruments, es fan varis canvis i alguns instruments d'etapes precedents no aguanten fins al final del barroc i cauen en desús molt abans, com el llaüt i la viola dona gamba, en general remplazados per uns atres més nous que en esta época alcancen un gran auge tècnic i de prestigi, com el violí, la guitarra o el violonchelo. El clau seguirà omnipresent en tota la música d'este periodo culminant la seua llarga trayectòria dels sigles anteriors en les obres de Bach, Rameau, Händel, i Scarlatti, encara que estarà en voga fins a 1770. L'orgue seguirà tenint un pes important en Alemània, a on, en Bach, alcança el seu més alta expressió en tota l'història.

Conforme passa el temps l'estil Barroc, que duya ya molt temps com l'estil dominant de la música occidental, és rebujat per les generacions posteriors als últims grans exponents del Barroc, que practicaran un estil més senzill, en a penes contrapunt, l'estil Galant, en voga des de 1730.

La nova generació ilustrada, naixcuda a partir de 1700, la rebujarà per complicada, recarregada, per abusar del contrapunt, per àrida i antiga, i l'estil quedarà apegado a partir de 1730 a les generacions més velles del moment, extinguint-se pràcticament entre 1741 i 1767, en la mort de Vivaldi, Bach, Händel, Rameau, Scarlatti i Telemann.

Classicisme (1750-1820)

Artícul principal → Música del classicisme.

És l'estil caracterisat per la transició de la música barroca cap a una música equilibrada entre estructura i melodia. Ocupa la segona mitat de el XVIII. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven són tres dels seus representants més destacats

L'orquesta i noves formes musicals

• Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), va anar un músic i compositor alemà. És a sovint referit com a C. P. I. Bach. Està considerat un dels fundadors de l'estil clàssic i un dels compositors més importants del periodo galant, a banda de ser l'últim gran mestre del clau fins a el XX. Carl Philipp Emanuel Bach va compondre vintidós Passions, dos oratorios, dèneu simfonies, quinze concerts, unes doscentes obres de cambra i diverses peces per a teclat, cançons i himnes.
• Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austríac, una de les figures més influents en el desenroll de la música del classicisme (c. 1750-1820). En 1755 va treballar per al baró Karl Josef von Fürnberg, época en que va compondre els seus primers quartets per a corda. En 1759 va ser nomenat director musical del comte Fernando Maximilian von Morzin. Des de 1761 fins a la seua mort, va treballar al servici dels príncips Esterhazy ―primer Paul Anton i després Nikolaus―, a on va tindre a la seua disposició una de les millors orquestes d'Europa.
• Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor austríac del periodo clàssic. Un dels més grans i influents en l'història de la música occidental. Va estudiar en Leopold Mozart, el seu pare, conegut violiniste i compositor, que treballava en l'orquesta de la cort de l'arquebisbe de Salzburc. Des de chicotet va ser chiquet prodigi i un geni musical. Es diu que era el compositor perfecte, degut a que en els seus borradors casi no es detectava error algun. Es caracterisava pel seu estil senzill, clar i equilibrat, encara que sense fugir de l'intensitat emocional. En la seua enorme producció musical (més de 600 obres, a pesar de la seua curta vida) destaquen, entre molts atres gèneros musicals, els seus concerts per a piano i les seues òperes.

• Ludwig van Beethoven (1770-1827), compositor alemà, considerat un dels més grans de la cultura occidental. Es va formar en un ambient propici per al desenroll de les seues facultats encara que excessivament rígit. Els seus primers brots de talent musical varen ser dirigits de forma tirànica per la disciplina del seu pare, que era tenor en la capella de la cort. En 1789 Beethoven va començar a treballar com a músic de la cort per a mantindre a la seua família. Les seues primeres obres baix la tutela del compositor alemà Christian Gottlob Neefe, especialment la cantata fúnebre per la mort de l'emperador José II, mostraven ya una gran inteligència, i es va pensar en la possibilitat de que s'anara a Viena per a estudiar en Wolfgang Amadeus Mozart. Encara que la mort de Mozart en 1791 va fer que estos plans no pogueren realisar-se, Beethoven va marchar a Viena en l'any 1792 per a estudiar en el compositor austríac Joseph Haydn. Beethoven ha segut reconegut tant pels seus principis clàssics com per la seua llibertat d'expressió, per lo que se li situa com l'últim dels clàssics i el primer dels romàntics.

Escola de Mannheim

L'escola més important durant el primer classicisme va ser, sense lloc a dubtes, l'escola de Mannheim. En esta ciutat comença a desenrollar-se esta escola orquestal. A partir de 1740 s'establix una orquesta reconeguda com la millor de l'época, a on varen acodir els músics més sobreixents d'Europa, liderats pel compositor Johann Stamitz i sobre el model del qual i composició s'establirien totes les orquestes clàssiques d'eixe periodo.

Esta escola va contribuir a fixar les formes clàssiques i a explorar i desenrollar els efectes orquestals que fins a llavors s'havien llimitat a les obertures de les òperes. Ademés, va dividir l'orquesta en dos parts iguals que dialoguen entre sí.

Atres escoles

L'Escola de Viena. La particularitat d'esta escola és l'us de temes de caràcter contrastante. Va tindre com a representants a Florian Leopold Gassmann, Georg Monn i Georg Christoph Wagenseil.

L'escola de Berlín. L'importància d'esta escola radica que va ser el primer lloc en a on s'inicia la tècnica del desenroll. Com a representant està Carl Philipp Emmanuel Bach.

Classicisme mediterràneu

• Luigi Boccherini
• Ferran Sors
• Antonio Soler

Romanticisme (1820-1900)

Artícul principal → Romanticisme.

Artícul principal → Música del Romanticisme.

El piano romàntic

• Franz Schubert (1797-1828), compositor austríac, gran incomprendido en el seu temps, que els seus lieder (cançons per a veu solista i piano basades en poemes alemans) estan entre les obres mestres d'este gènero, i els treballs instrumentals del qual són un pont entre el classicisme i el romanticisme de el XIX. Va escriure obres per a piano, música simfònica, religiosa i numeroses òperes.
• Félix Mendelssohn (1809-1847), compositor alemà, una de les principals figures de començos del romanticisme europeu de el XIX. Als 9 anys va debutar com a pianiste i als 11 anys va interpretar la seua primera composició. Va compondre l'obertura El somi d'una nit d'estiu quan tenia 17 anys i l'obra que conté la famosa Marcha nupcial 17 anys despuix. Va tindre com a professors al compositor i pianiste chec Ignaz Moscheles i al compositor alemà Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se li atribuïx l'haver redescubierto l'obra de Johann Sebastián Bach, en estrenar en 1829 la seua Passió segons Sant Mateo.
• Frédéric Chopin (1810-1849), va començar a estudiar piano als quatre anys. Va deprendre la tècnica de l'instrument pràcticament de forma autodidacta, encara que més tart va estudiar harmonia i contrapunt en el conservatori de la capital polaca. També va ser precoç com a compositor: la seua primera obra publicada data de 1817. Des de molt jove va mantindre estreta relació en les altes esferes socials, davant els qui tocava en les seues reunions musicals. Als 20 anys d'edat va deixar la seua Polònia natal en un viage d'estudis, pero mai va retornar. La seua obra es va caracterisar per l'intimisme, la delicadea, la facilitat melòdica, i una revolucionària tècnica d'eixecució. El piano va ser el seu instrument per excelència, i va tindre gran popularitat i influència en els compositors de la seua época.
• Robert Schumann (1810-1856), compositor alemà del Romanticisme. Des de chiquet, ya demostrava les seues qualitats musicals, i el seu pare ho va recolzar durant la seua formació procurant-li un professor de piano. La dedicació a la seua carrera musical es va vore truncada per la mort del seu pare, encara que posteriorment reemprendria els seus estudis. Va ser un lluent compositor i crític musical, lo que li va permetre descobrir a Johannes Brahms quan era un jove de vint anys. En 1839, Robert es va casar en Clara Wieck, i varen tindre huit fills. Finalment, durant els seus últims anys es varen accentuar les #depressió, crisis, intents de suïcidis i periodos de reclusió. Va morir de tifus en un sanatori.
• Franz Liszt (1811-1886), compositor austro-hongarés, pianiste i professor. Liszt es va fer famós en tota Europa durant el XIX per la seua gran habilitat com a intérpret. Els seus contemporàneus afirmaven que era el pianiste tècnicament més alvançat de la seua época i potser el més gran de tots els temps. També va ser un important i influent compositor, un professor de piano notable, un director d'orquesta que va contribuir significativament al desenroll modern de l'art i un benefactor d'atres compositors i artistes, intérprets o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg i Aleksandr Borodín.
• Richard Wagner (1813-1883), va anar un compositor, director d'orquesta, poeta, ensagista, dramaturc i teòric musical alemà del Romanticisme. Destaquen principalment els seus òperas (calificades com a «drames musicals» pel propi compositor) en les que, a diferència d'atres compositors, va assumir també el llibret i l'escenografia.

En els seus inicis, va fonamentar la seua reputació com a compositor en obres com L'holandés errante i Tannhäuser, que seguien la tradició romàntica de Weber i Meyerbeer. Va transformar el pensament musical en l'idea de la «obra d'art total» (Gesamtkunstwerk), la #síntesis de totes les arts poètiques, visuals, musicals i escèniques, que va desenrollar en una série d'ensajos entre 1849 i 1852, i que va plasmar en la primera mitat del seu monumental tetralogía L'anell del nibelungo. No obstant, les seues idees sobre la relació entre la música i el teatre varen canviar novament i reintrodujo algunes formes operístiques tradicionals en les obres de la seua última etapa, com en Els mestres cantores de Núremberg. Les obres de Wagner, particularment les del seu últim periodo, destaquen pel seu textura contrapuntística, riquea cromàtica, harmonia, orquestació i un elaborat us dels leitmotivs (temes musicals associats a caràcters específics o elements dins de la trama). Wagner va ser pioner en varis alvanços del llenguage musical, com un extrem cromatisme (associat en el color orquestal) o l'ampliació del cosmos harmònic a través d'un continu desplaçament dels centres tonals, lo que va influir en el desenroll de la música clàssica. La seua òpera Tristán i Isolda es descriu a voltes com a punt d'inici de la música docta contemporànea. L'influència de Wagner es va estendre també a la filosofia, la lliteratura, les arts visuals i el teatre. Va fer construir el seu propi teatre d'òpera, el Festspielhaus de Bayreuth, per a escenificar les seues obres del modo en que ell les imaginava i que contenen dissenys nous. Allí va tindre lloc l'estrena de la tetralogía del Anell i Parsifal, a on actualment se seguixen representant els seus obres operístiques més importants en un Festival anual a càrrec dels seus descendents.

• Johannes Brahms (1833-1897). Despuix d'estudiar violí i violonchelo en el seu pare, contrabajista del teatre de la ciutat, Brahms es va especialisar en el piano i va començar a compondre baix la tutela del mestre alemà Eduard Marxsen, el conservador gust del qual musical va deixar una profunda chafada en ell. En 1853 va iniciar una gira de concerts com a pianiste acompanyant del violiniste hongarés Eduard Reményi. Durant esta gira va conéixer al violiniste, també hongarés, Joseph Joachim, qui ho va presentar al compositor alemà Robert Schumann. Schumann es va quedar tan sorprés en les composicions de Brahms, obres encara no editades, que va escriure un apassionat artícul en una revista de l'época sobre el jove compositor. Brahms va cobrar un sincer afecte a Schumann i la seua dòna, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, i esta amistat i l'alé que va rebre d'ells li varen proporcionar energies per a treballar sense descans.
• Anton Bruckner (1824-1896). Va nàixer en la chicoteta ciutat de Ansfelden, en el nort d'Àustria. El seu pare, que era mestre d'escola i tocava l'orgue de l'iglésia local, imbuyó al seu fill les dos vocacions a les que dedicaria la seua activitat professional: l'ensenyança i l'interpretació com a organista. Bruckner es va destacar com compositor, professor i organiste. Va compondre simfonies romàntiques en una condició barroca amprant el contrapunt deprés en l'orgue. La seua posició estilística es troba dividida entre els progressistes, seguidors de Wagner i els conservadors, seguidors de Brahms. El seu afany de perfeccionisme i les crítiques que rep li fan modificar les seues obres una i una atra volta, en la qual cosa apareixen múltiples versions d'una mateixa obra.

Música programàtica

El lied

El lied és la forma vocal menor del romanticisme més destacada. Consistix en l'interpretació d'un poema realisada per un cantant i piano. L'estructura general és A B A a on la primera i l'última estrofa tenen la mateixa melodia. El principal compositor del lied és Schubert, els temes essencials del qual eren la mort, l'amor i la naturalea. També en la composició d'esta forma es varen destacar Robert Schumann, Fanny Mendelssohn, Hugo Wolf, Gustav Mahler i Richard Strauss.

Els #nacionalisme (1850-1950)

Rússia

El nacionalisme és una corrent iniciada en Rússia. Mijaíl Glinka famós per la seua òpera Una vida pel Sar va encorajar a Aleksandr Dargomyzhski per a ajudar-li a convéncer a un grup de cinc compositors russos a coordinar els seus treballs basats en la cultura russa. Més vesprada varen ser coneguts com El Grup dels Cinc. L'òpera de Dargomyzhski El convidado de pedra va ser la pedra angular sobre la que es va basar esta nova escola.

Glinka és comunament recordat com el fundador de la música nacionalista russa. Una volta depurat el seu estil de composició en relació en els seus estudis posteriors, va despertar una gran atenció tant en el seu país com en l'estranger. Els seus operes russes oferien una #síntesis de composició occidental pero en melodia russa, mentres que la seua música orquestal, en una instrumentació excelent, oferia una combinació de lo tradicional i lo exòtic.

El Grup dels Cinc

Artícul principal → Els Cinc (compositors).

D'este grup de cinc, solament dos eren músics professionals, César Cui i Mili Balákirev, abdós poc coneguts. Un tercer Aleksandr Borodin és més conegut per la seua composició En les estepas d'Àsia Central i per Danses polovtsianas de la seua òpera El príncip Ígor.

Un atre component d'este grup va ser Modest Músorgski qui introduïx ritmes del folclore rus i escales inusuals procedents de la música de l'Iglésia ortodoxa, tan característiques en les seues obres. Entre els seus treballs trobem la suite per a piano Quadros d'una exposició, que posteriorment va cridar l'atenció a Maurice Ravel qui va fer un apany orquestale.

El quint i últim membre del grup va ser Nikolái Rimski-Kórsakov, que va fonamentar el seu treball en obres dramàtiques de força rítmica i color orquestal. Les seues obres més importants varen ser l'òpera El gall d'or i la seua famosa suite orquestal Scheherezade. També utilisa elements de l'iglésia russa en la seua Obertura de la gran Pasqua russa i influències de la música tradicional asturiana o andalusa en la seua Caprig espanyol.

Piotr Ilich Chaikovski va ser un atre dels compositors russos que usaven un to i color lluents. La seua sexta simfonia Pathetique és molt coneguda, i va realisar, també la música de tres famosos ballet: El cascanueces, La Bella Durmiente i El llac dels cisnes. Obres com l'obertura de Marcha eslava, i Caprig italià ubiquen definitivament a Chaikovski dins del nacionalisme. Estes obres han segut programades tan a sovint que es consideren entre les obres més famoses jamai construïdes.

El Nacionalisme en música es referix a l'us de materials que són reconeixibles com a nacionals o regionals. Per eixemple, l'us directe de la música folklòrica, i l'us de melodias, ritmes i harmonias inspirats per la mateixa. El nacionalisme també inclou l'us del folclore com a base conceptual, estètica i ideològica d'obres programàtiques o òperes.

El nacionalisme és comunament relacionat a l'estil del romanticisme i postromanticismo de mitan de el XIX fins a mediats de el XX, al com se li incorporen elements locals o folklòrics, encara que existixen evidències del nacionalisme des d'inicis de el XVIII. El terme també és usat freqüentment per a descriure la música de el XX de regions no dominants en la música, sobretot de Llatinoamèrica, Norteamérica i Europa Oriental. Històricament el nacionalisme musical de el XIX ha segut considerat com una reacció contra el domini de la música romàntica alemana.

Els països relacionats en molta freqüència al nacionalisme són: Rússia, República Checa, Polònia, Hongria, Noruega, Finlàndia, Suècia, Grècia, Ucrània, Espanya i Regne Unit en Europa, i Estats Units, Mèxic, Brasil, Argentina, Chile i Cuba en Amèrica. Alguns dels compositors més importants comunament associats al nacionalisme en el XX varen ser: el brasiler Heitor Vila-Llops (el primer i més important compositor llatinoamericà en destacar en els círculs musicals d'Europa), el chec Leos Janacek, l'finés Jean Sibelius, l'hongarés Bela Bartok, l'espanyol Manuel de Falla, el britànic Ralph Vaughan Williams, el mexicà Selvat Tumults, l'argentí Alberto Ginastera, o el nortamericà Aaron Copland, entre molts uns atres.

República Checa

• Bedřich Smetana (La nóvia venuda, La meua pàtria);
• Antonín Dvořák (Danses eslaves, Simfonia del Nou Món).

Noruega

• Edvard Grieg (Peer Gynt).

Finlàndia

• Jean Sibelius (Finlàndia).

Espanya

• Isaac Albéniz (Suite Iberia);
• Enrique Granados (Goyescas).

França

• Georges Bizet (Carmen (òpera))

Regne Unit

• Edward Elgar (Variacions Enigma, Pompa i circumstància);
• Frederick Delius (A Mass of Life, A Village Romeo and Juliet).

Estats Units

• Horatio Parker (Hora Novissima);
• Edward Mac Dowell (Indian Suite).

Post-Romanticisme

Artícul principal → postromanticismo.

Particularment en la primera part de el XX, molts compositors varen escriure música que va ser una extensió de la música romàntica de el XIX. La harmonia —llevat major complexitat— va ser tonal, i els agrupamientos instrumentals tradicionals, com l'orquesta o el quartet de cordes, es varen mantindre com els més usuals. Els músics més representatius d'este moviment varen ser Gustav Mahler, Richard Strauss i Serguéi Rajmáninov, no obstant molts dels grans compositors modernistes varen començar les seues carreres en este estil tals com Bela Bartok, Igor Stravinsky i Arnold Schoenberg.

Com a compositor, Gustav Mahler, va centrar els seus esforços en la forma simfònica i en el lied. La Segona, Tercera, Quarta i Octava simfonies i Dones Lied von der Erde (La cançó de la Terra) varen conjugar en les seues partitures abdós gèneros. Ell mateixa advertia que compondre una simfonia era «construir un món en tots els mijos possibles», per lo que els seus treballs en este camp es caracterisen per una amplísima heterogeneïtat. Va introduir elements de distinta procedència com melodias populars, marchas, fanfarrias militars, per mig d'un us personal del concorde, entrecortando o allargant inusitadamente les llínees melòdiques, acoplats o yuxtaposts en l'interior del marc formal que va absorbir de la tradició clàssica vienesa. Les seues obres simfòniques varen adquirir desmesurades proporcions i incloïen harmonias dissonants que sobrepassen el cromatisme utilisat per Wagner en el seu Tristán i Isolda.

Molts compositors prominents —entre ells Dmitri Kabalevski, Dmitri Shostakóvich i Benjamin Britten— varen fer significatius alvanços en l'estil i la tècnica romàntica mentres continuaven amprant un llenguage melòdic, harmònic, estructural i textural relacionat en el de el XIX, accessible a l'auditori promig.

Impressionisme (1860-1910)

l'Impressionisme musical és un moviment musical sorgit a finals de el XIX i principis de el XX sobretot en la música francesa, en la necessitat dels compositors de provar noves combinacions d'instruments per a conseguir una major riquea tímbrica. En l'Impressionisme musical es dona molta importància als timbres, en els que es conseguixen diferents efectes. També es caracterisa perque els temps no són llineals sino que s'eixecuten en successió d'impressions. Es relaciona d'esta manera en l'Impressionisme pictòric, que conseguia les imàgens per mig de chicotetes pinzellades de color. Dos dels principals compositors d'este moviment són Claude Debussy i Maurice Ravel.

A Debussy li va dur molts anys desenrollar el seu estil musical i tenia casi 40 anys quan va alcançar fama internacional en 1902 en l'única òpera que va concloure, Baralles i Melisande (Pelléas et Mélisande). Entre les seues composicions orquestals es troben Preludi a la sesta d'un faune (Prélude à l'après-midi d'un faune, 1894), Nocturns (Nocturnes, 1897-1899) i Images (1905-1912). La seua música va ser en gran medida una forma de reacció front a Wagner i a la tradició musical alemana. Va considerar obsoleta la simfonia clàssica i va buscar una alternativa en els seus «esbossos simfònics» La mer (1903-1905). Entre les seues obres per a piano es troben dos llibres de preludis (Préludes) i dos d'estudis (Études). A lo llarc de la seua carrera va escriure mélodies basades en una gran varietat de poesia, inclosa la seua pròpia. Estava molt influenciat pel moviment poètic simboliste de finals de el XIX. Un chicotet número de les seues obres, com la primerenca La Damoiselle élue (1887-1889) i la tardana El martiri de Sant Sebastià (Li Martyre de saint Sébastien, 1911), inclouen una part important per als cors. En els seus últims anys es va centrar en la música i va completar tres de les sis sonatas que tenia previst compondre per a diferents combinacions d'instruments.

• Gabriel Fauré
• Maurice Ravel
  • El Bolero de Ravel
• Erik Satie
• Isaac Albéniz
  • Suite espanyola i Suite ibèrica
• Enrique Granados
• Manuel de Falla
• Joaquín Rodrigo
  • El Concert d'Aranjuez
• Jesús Guridi
  • El caseriu
• Joaquín Turina

Música moderna i contemporànea (1910-#present)

Artícul principal → Música del sigle XX.

El XX va estar marcat per dos grans acontenyiments que varen ser molt decisius en l'història de la música occidental, i varen marcar l'alvanç posterior que seguirà la música fins a aplegar als nostres dies. El primer és l'abandó de la tonalitat i la total ruptura de les formes i tècniques que es venien fent des dels principis de l'era barroca a partir de 1910, en concòrdia en les atres ruptures totals de les atres branques de les arts. A partir d'ahí, la música occidental es torna molt experimental i els compositors s'empenyoren en trobar nous camins tant en les formes, els instruments, els colors, la tonalitat, el ritme per a fer una música totalment nova i alluntada del periodo de la pràctica comuna dels últims trescents anys.

El segon gran fenomen és l'auge i massificació d'un tipo de música que es va desenrollar en les ciutats durant el sigle anterior en contacte en les dos grans branques en que es dividia fins a eixe moment la música (l'ètnica i l'acadèmica): la música popular. Este tipo de música, consumida per la creixent classe mija urbana, experimentarà un gran desenroll gràcies a la possibilitat de gravar sò per mig de les noves tecnologies de principis de el XX (lo que donarà lloc a l'indústria del disc) i l'aparició de mijos de comunicació de masses com la ràdio i el cine sonor. L'efecte de la música popular i l'indústria musical que es desenrolla entorn a ella canviaran dràsticament els hàbits musicals que estaven presents des de l'Edat Mija.

Música modernista i contemporànea

Artícul principal → Música modernista.

Artícul principal → Música acadèmica contemporànea.

Futurisme

Artícul principal → futurisme.

El futurisme va ser un dels moviments inicials de vanguarda en l'Europa de el XX. Esta corrent artística va ser fundada en Itàlia pel poeta italià Filippo Tommaso Marinetti, qui redacta el Manifest Futuriste, i ho publica el 20 de febrer de 1909 en el diari Li Figaro de París.

Este moviment buscava la ruptura en les tradicions artístiques del passat i els signes convencionals de la història de l'art. Va intentar enaltir la vida contemporànea, açò per mig de dos temes principals: la màquina i el moviment. Els principals compositors futuristes varen ser els italians Francesco Balilla Pratella i Luigi Russolo.

Crisis de la tonalitat i atonalismo

Artícul principal → Atonalidad.

Els primers antecedents de la música europea sense un centre tonal es troben en Franz Liszt en el seu Bagatella sense tonalitat de 1885, periodo que ya es parlava d'una "crisis de la tonalitat". Esta crisis es va generar a partir de l'us cada volta més freqüent de concordes ambigus, inflexions harmòniques menys provables, i les inflexions melòdiques i rítmiques més inusuals possibles dins de la música tonal.

A principis de el XX compositors com Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinsky i Edgard Varèse, varen escriure música que s'ha descrit, total o parcialment, com atonal. La primera fase del atonalismo (antecessora del dodecafonismo), coneguda com "atonalidad lliure" o "cromatisme lliure", va implicar un intent conscient d'evitar l'harmonia diatònica tradicional. Les obres més importants d'este periodo són l'òpera Wozzeck (1917-1922) d'Alban Berg i Pierrot Lunaire (1912) d'Arnold Schönberg.

Segona escola de Viena. Dodecafonismo i serialismo

Artícul principal → segona Escola de Viena.

Una de les més significatives figures en la música de el XX és Arnold Schoenberg. Els seus primers treballs pertanyen a l'estil romàntic tardà, influenciat per Johannes Brahms, Richard Wagner i Gustav Mahler, pero al final va abandonar el sistema de composició tonal per a escriure música atonal. En el temps, va desenrollar la tècnica del dodecafonismo, proponent-la en 1923 en tongada de l'organisació tonal tradicional.

Els seus alumnes Anton Webern i Alban Berg també varen desenrollar i varen profundisar l'us del sistema dodecafónico, i varen destacar per l'us de tal tècnica baix regles pròpies. Els tres són coneguts, familiarment, com La Trinitat Schoenberg, o la Segona Escola Vienesa. Este nom es va crear per a resaltar que esta Nova Música va tindre el mateix efecte innovador que la Primera Escola de Viena d'Haydn, Mozart i Beethoven.

El dodecafonismo va ser una forma de música atonal, en una tècnica de composició en la qual les 12 notes de l'escala cromàtica són tractades com a equivalents, és dir, subjectes a una relació ordenada que (a diferència del sistema major-menor de la tonalitat) no establix jerarquia entre les notes. Lo que va fer el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, va ser prohibir per estatut usar una nota més que una atra: la melodia dodecafónica deu dur les 12 notes que hi ha en l'escala cromàtica. S'escriu seguint el principi de que tots els dotze semitonos o notes són d'igual importància. La relació interna s'establix a partir de l'us d'una série composta per les dotze notes. El compositor decidix l'orde en que apareixen en la condició de que no es repetixca cap fins al final.

El serialismo integral representa un pas més alvance del dodecafonismo, i va ser creada pel que va anar discípul de Schönberg, Anton Webern: s'establix un orde no només per a la successió de les diferents altures, sino per a la successió de les diferents #duració (les "figures", com la negra, corchea, etc.) i la successió de les dinàmiques (els nivells d'intensitat sonora), com també per a l'articulació. Totes estes séries es repetixen durant el transcurs d'una obra. La tècnica s'ha cridat serialismo integral per a distinguir-la del serialismo llimitat del dodecafonismo. Irònicament, despuix d'anys d'impopularitat, l'estil puntillista de Webern —en el que els sons individuals són cuidadosasmente ubicats en l'obra de manera que cada u té importància— es va convertir en norma en Europa durant els anys cinquanta i xixanta, i va ser molt influent entre compositors de la postguerra com Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen i Igor Stravinsky.

Primitivisme

AP

El primitivisme va ser un moviment de les arts que pretenia rescatar el folclor més arcaic de certes regions en un llenguage modern. Similar al nacionalisme en el seu afany per rescatar lo local, el primitivisme va incorporar ademés mètriques i #accentuació irregulars, un major us de la percussió i uns atres timbres, escales modals, i harmonia politonal i atonal. Dins de la música els dos jagants d'este moviment varen ser el rus Ígor Stravinsky i l'hongarés Bela Bartok, encara que l'obra d'abdós sobrepassa en créixens la denominació "primitivista".

Sobre Ígor Stravinsky, la seua llarga vida —va morir quan anava a complir els 89 anys— li va permetre conéixer gran varietat de corrents musicals. Resulten justificades les seues protestes contra els qui ho tildaven com un músic del pervindre: «És alguna cosa absurt. No viu en el passat ni en el futur. Estic en el present». En la seua #present va compondre una gran cantitat d'obres clàssiques abordant varis estils com el primitivismo, el neoclassicisme i el serialismo, pero és conegut mundialment sobretot per tres obres d'un dels seus periodos inicials —el cridat «periodo rus»—: El pardal de fòc (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) i La consagració de la primavera (Li sacre du printemps, 1913). Per a molts, estos ballet clàssics, atrevits i innovadors, pràcticament varen reinventar el gènero. Stravinski també va escriure per a diversos tipos de conjunts en un ampli espectre de formes clàssiques, des d'òperes i simfonies a chicotetes peces per a piano i obres per a grups de jazz.

Stravinski va deixar Rússia per primera volta en 1910, per a assistir en París a l'estrena del seu ballet El pardal de fòc pels #Ballet Russos. Durant la seua estància en dita ciutat, va compondre dos obres més per als #Ballet Russos: Petrushka (1911) i La consagració de la primavera (1913). Els ballet revelen el desenroll estilístic del compositor: des de El pardal de fòc, l'estil del qual mostra la poderosa influència de Rimski-Kórsakov, a Petrushka en el seu fort émfasis bitonal, per a aplegar finalment a la salvage dissonància polifònica de La consagració de la primavera. Com Stravinski va mencionar sobre les seues estrenes, la seua intenció era «manar tot al dimoni» (i ho va conseguir: l'estrena de La consagració de la primavera en 1913 va ser provablement el més famós escàndal en l'història de la música, en lluites a puñetazos entre els membres del públic i la necessitat de vigilància policial durant el segon acte).

Microtonalismo

Artícul principal → microtonalismo.

El microtonalismo és la música que utilisa microtonos (els intervals musicals menors que un semitono). El músic nortamericà Charles Ives definia als microtonos de manera humorística com «les notes entre les tecles del piano».

El mexicà Julián Carrillo (1875-1965) distinguix setze sons clarament diferents entre els llançaments de G i A emesa per la quarta corda de violí, lo que va anar el seu punt de partida per a compondre una gran cantitat de música microtonal. El microtonalismo està present en les obres de George Enescu, Bela Bartok i Miguel Oblitas Bustamante. Alguns atres autors varen amprar també esta tècnica. La música microtonal mai va tindre massa acceptació i va ser considerada en avant casi exclusivament pels músics de Vanguarda.

Neoclassicisme

Artícul principal → Neoclassicisme musical del sigle XX.

El neoclassicisme en música referix al moviment de el XX que va reprendre una pràctica comuna de tradició sobre l'harmonia, la melodia, la forma, els timbres i els ritmes, pero mesclada en grans #dissonància atonales i ritmes sincopados, com a punt de partida per a compondre música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich, Bohuslav Martinu i Béla Bartók són els compositors més importants usualment mencionats en este estil, pero també el prolífic Darius Milhaud i els seus contemporàneus Francis Poulenc i Arthur Honegger.

Despuix d'un periodo inicial en el que semblen primar les influències de Serguéi Prokófiev, Ígor Stravinski i Paul Hindemith, Dmitri Shostakóvich va desenrollar un estil híbrit del que és representativa la seua òpera Lady Macbeth de Mtsensk (1934). Posteriorment va derivar cap a un estil posromántico, a on destaca la Simfonia n.º 5 (1937), i en el que l'influència de Gustav Mahler es combina en la tradició musical russa, en Modest Músorgski i Stravinsky com a referents importants. Shostakóvich va integrar totes eixes influències creant un estil molt personal. La música de Shostakóvich sol incloure contrasts aguts i elements grotescs, en un component rítmic molt destacat. En la seua obra orquestal destaquen quinze simfonias i sis concerts; en el seu música cal mencionar especialment les seues quinze quartets per a cordes; també va compondre vàries òperas, aixina com música de cine i ballet.

Música electrònica i concreta

Artícul principal → Música acadèmica electrònica.

Els alvanços tecnològics en el XX varen permetre als compositors utilisar mijos electrònics per a produir sons. En França es va desenrollar la música concreta escola que produïa sons existents en el món. Es diu concreta perque segons Pierre Schaeffer, el seu inventor, plantejava que està produïda per objectes concrets i no pels abstractes que serien els instruments musicals tradicionals. El primer que va dispondre d'eixos mijos va ser Edgar Varese, qui va presentar Poème électronique en el pabelló Philips de l'Exposició de Brusseles en 1958. En 1951, Schaeffer, junt a Pierre Henry, varen crear el Grup d'Investigació de Música Concreta en París. Pronte va atraure un gran interés, i entre els que es varen acostar es trobaven diferents compositors significatius com Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis, Michel Philippot i Arthur Honegger.

En el cas de Messiaen, tant la seua fascinació pel hinduismo, la seua admiració per la naturalea i els pardals, la seua profunda fe cristiana i el seu amor pel color instrumental, varen ser primordials per a la seua formació com a persona i artista. Va ingressar en el Conservatori de París a l'edat d'11 anys, i va tindre com a professors a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel i Charles-Marie Widor. Va ser designat organiste en l'Iglésia de la Santa Trinitat de París en 1931, ya que va ocupar fins a la seua mort.

En 1940, en la batalla de França, Messiaen va ser fet presoner de guerra, i mentres estava encarcerat va compondre la seua Quatuor pour la fi du temps (Quartet per al fi del temps) per als quatre instruments disponibles allí: piano, violí, violonchelo i clarinet. L'obra va ser estrenada per Messiaen i els seus amics presoners davant una audiència de presoners i vigilants. En eixir de presó en 1941, pronte Messiaen va ser nomenat professor d'harmonia, i després professor de composició en 1966 en el Conservatori de París, ya que va mantindre fins al seu retir en 1978. Entre els seus distinguits alumnes estan Pierre Boulez, Yvonne Loriod (qui despuix seria la segona esposa de Messiaen, i l'intérpret per excelència de les seues obres escrites per a piano o en piano soliste), Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, William Bolcom i George Benjamin. La música de Messiaen és rítmicamente complexa (ell estava interessat en els ritmes de l'antiga Grècia i d'orígens hindús), i es basa harmònica i melódicamente en els modos de transposició llimitada, que varen ser una innovació pròpia de Messiaen. Estava fascinat per la «vora dels pardals»; dia que els pardals eren els millors músics i es considerava a sí mateixa tant ornitólogo com a compositor. Transcribía la vora dels pardals en els seus viages per tot lo món, i va incorporar les transcripcions d'estes vores en gran part de la seua música. El seu us innovador del color, la seua concepció personal de la relació entre el temps i la música i el seu intent d'expressar profundes idees religioses, tot es combina de tal modo que fa casi impossible confondre una composició de Messiaen en una obra de qualsevol atre compositor contemporàneu occidental.

En Alemània en canvi la forma d'usar la tecnologia es va cridar música electrònica, que és aquella que utilisa solament sons produïts electrònicament. El primer concert tindria lloc en Darmstadt en 1951, no obstant la primera obra d'importància seria La vora dels adolescents de Karlheinz Stockhausen de 1956.

Iannis Xenakis és un atre compositor modern que ha usat computadores i instruments electrònics (inclós un inventat per ell) en moltes composicions.

Música aleatòria i vanguardismo radical

Artícul principal → Vanguardismo.

Si ben el modernisme en sí és música de vanguarda, el vanguardismo dins d'ella es referix als moviments més radicals i controversiales, a on el concepte de música aplega fins als seus llímits —si no ya els sobrepassa— utilisant elements com sorolls, gravacions, el sentit de l'humor, l'encert, l'improvisació, el teatre, l'absurt, el ridícul, o la sorpresa. Dins dels gèneros generalment ubicats dins d'esta corrent radical es troba la música aleatòria, la música electrònica en viu, el teatre musical, la música ritual, la composició de processos, el happening musical, o la música intuïtiva, entre moltes atres. Entre els compositors més transcendentals que incursionaron en estes aventures es troba John Cage en Amèrica i Karlheinz Stockhausen en Europa.

Stockhausen va ser educat primerament en la Hochschule für Musik Köln para despuix acodir a l'Universitat de Colónia. Posteriorment estudiaria en Olivier Messiaen en París i Werner Meyer-Eppler en l'Universitat de Bonn. Com una de les principals figures de l'Escola de Darmstadt que va ser, les seues teories i composicions seguixen sent, encara hui en dia, de gran influència per a compositors de tots els tipos i estils.

Les seues obres, compostes a lo llarc de casi xixanta anys, s'abstenen de ser partícips de les formes musicals més tradicionals. A banda de les obres de música electrònica, els seus treballs van des de realisar miniatures per a caixes de música fins a treballs per a instruments solistes, cançons, música, músiques coral i orquestal i inclús un cicle de sèt òperes de llarga duració. Entre les seues composicions més notables trobem la série de dèneu Klavierstücke (peces per a piano), Kontra-Punkte per a dèu instruments, la seua electrònica/música concreta Gesang der Jünglinge, Gruppen per a tres orquestes, l'obra per a percussió solista Zyklus, Kontakte, la cantata Momente, la seua obra d'electrònica en viu Mikrophonie I, Hymnen, Stimmung per a sis vocalistes, Aus donen sieben Tagen, Mantra per a dos pianos i electrònica, Tierkreis, Inori per a solistes i orquesta, i el seu jagantesc círcul d'operes Licht.

Pioner de la música aleatòria, de la música electrònica i del us no estàndar d'instruments musicals, Cage va ser una de les figures principals del avant garde de posguerra. Va ser decisiu en el desenroll de la dansa moderna, principalment a través de la seua associació en el coreógraf Merce Cunningham, qui va anar el seu companyer sentimental la major part de la seua vida. Entre els seus mestres varen estar Henry Cowell (1933) i Arnold Schoenberg (1933–35), abdós coneguts per les seues innovacions radicals en la música, pero la principal influència sobre el treball de Cage es troba en diferents cultures orientals. A través dels seus estudis de filosofia índia i budisme zen a finals dels anys 1940, Cage va aplegar a l'idea de la música aleatòria o música controlada per encert, que va començar a compondre en 1951. El I Ching, un antic text chinenc clàssic sobre events canviants, es va convertir en la ferramenta compositiva habitual de Cage durant el restant de la seua vida. Cage és conegut principalment per la seua composició de 4′33″, tres moviments que s'interpreten sense tocar una sola nota. Una atra famosa creació de Cage és el piano preparat, per al que va escriure numeroses obres relacionades en la dansa i vàries peces per a concert

Micropolifonía i masses sonores

Artícul principal → micropolifonía.

En paraules de David Cope la micropolifonía es tracta de «una simultaneidad de diferents llínees, ritmes i timbres». La tècnica va ser desenrollada per György Ligeti, qui la va explicar aixina: «La complexa polifonia de les veus individuals està emmarcada en un fluix harmònic-musical, en el que les #harmonia no canvien súbitament, sino que es van convertint en unes atres; una combinació interválica discernible és gradualment fent-se borrosa, i d'esta nuvolositat és possible sentir que una nova combinació interválica està prenent forma».

Intrínsecament relacionada en la micropolifonía esta la massa de sò o massa sonora que és una textura musical que la seua composició, en contrast en atres textures més tradicionals, «minimisa l'importància de les altures musicals individuals per a preferir la textura, el timbre i la dinàmica com a principals formadors del gest i l'impacte».

Música cinematogràfica

Artícul principal → Música cinematogràfica.

Des de l'arribada del cine sonor a finals de la década dels 1920, la música ha complit un rol crucial en l'indústria i l'art del cine. Molts dels grans compositors que varen viure en eixa primera época, tals com els russos Prokófiev i Shostakóvich, incursionaron també en esta àrea. Posteriorment, va haver numerosos compositors que varen dedicar la seua carrera total o majorment a treballar a través del cine. Dins dels compositors de música de cine es troben: Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Bernard Herrmann, John Williams, Howard Shore i Henry Mancini.

Poliestilismo

Artícul principal → Poliestilismo.

Poliestilismo (també cridat "eclecticisme") és l'us de múltiples estils o tècniques musicals, i és considerat una característica posmoderna que comença a finals de el XX i s'accentua en el XXI.

Compositors poliestilísticos són, per eixemple, Lera Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke (la seua Simfonia n.º 1, que recorre notablement a la cita, és una dels cims indiscutibles de l'estil), Dmitri Silnitsky, Valentí Silvestrov, Santiago Moixa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.

Espectralismo

Artícul principal → Espectralismo.

El espectralismo és un gènero musical originat en França en la década dels xixanta al voltant d'un grup de compositors agrupats entorn al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail i Hughes Dufourt). La música espectral, en un sentit restrictiu, es basa principalment en el descobriment de la naturalea del timbre musical i en la descomposició espectral del sò musical, en l'orige de la percepció del timbre.

El moviment s'ha anat eixamplant i influïx en les més importants tendències contemporànees de composició i en molts dels compositors més jóvens: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en França; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlàndia; George Benjamin o Julian Anderson en el Regne Unit; Marque Stroppa en Itàlia; Georg Friedrich Haas en Àustria; i Joshua Fineberg, en EE. UU., per citar alguns. I com en el cas de l'impressionisme i molts atres estils musicals, aquells compositors la música dels quals es considera espectral no accepten generalment tal denominació.

Nova simplicitat

Artícul principal → Nova Simplicitat.

La Nova Simplicitat va ser una tendència estilística sorgida entre alguns dels components de la generació més jove de compositors alemans de començos dels huitanta de el XX, i que va supondre una reacció no solament contra la vanguarda musical europea de les décades dels cinquanta i xixanta, sino també contra la més àmplia tendència cap a l'objectivitat de començos de sigle.

En general, estos compositors varen propugnar una immediatea entre l'impuls creatiu i el seu resultat musical (en contrast en l'elaborada planificació precompositiva característica del vanguardismo), en l'intenció de crear una comunicació més fàcil en les audiències. En alguns casos, això va significar un regrés al llenguage tonal de el XIX i en uns atres va significar treballar en textures més simples o l'ocupació d'harmonias triádicas en contexts no tonals. D'entre els compositors identificats d'una forma més propenca en este moviment, solament Wolfgang Rihm ha conseguit una reputació significativa fora d'Alemània. Algunes de les seues obres més famoses són: Jakob Lenz (1978), Edipo (primera representació en 1987) i Gesungene Zeit, per a violí i orquesta (1992).

Lliure improvisació

Artícul principal → Lliure improvisació.

L'improvisació lliure és música improvisada sense regles prèvies establides, seqüències de concordes o melodies prèviament acordades. A voltes els músics realisen un esforç actiu per a evitar referenciar a gèneros musicals reconeixibles. L'improvisació lliure, com a estil de música, es va desenrollar en Europa i EE. UU. en la mitat i fins de la década de 1960 en resposta o inspirat pel moviment del free jazz aixina com per la música clàssica contemporànea. Entre els artistes més reconeguts dins d'este estil estan els saxofonistes Evan Parker i Peter Brötzmann, el guitarriste Derek Bailey, i el grup improvisacional britànic AMM.

Nova Complexitat

Artícul principal → Nova complexitat.

La Nova Complexitat és una corrent dins de l'escenari contemporàneu sorgida en la década de 1980 en el Regne Unit que pot definir lo "complex" com; "de múltiples capes d'interacció dels processos evolutius que ocorren simultàneament en totes les dimensions del material musical". És molt abstracta, dissonant i atonal, caracterisada per l'us de tècniques que duen fins al llímit les possibilitats de l'escritura musical. Entre els compositors més importants es troben Brian Ferneyhough (figura principal de la corrent), Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate i Richard Barrett.

Música popular

Artícul principal → Música popular.

La música popular, en el seu sentit més ampli, es referix a una série de gèneros musicals que tenen un gran atractiu i que generalment són distribuïts a grans audiències a través de l'indústria de la música. Açò està en contrast tant en la música culta, com en la música tradicional, les quals normalment es difonen académicamente o per via oral, a audiències locals, o més menudes.

Història

Fins a finals de el XVIII, en Europa, les dos grans corrents musicals que hi havia eren la que actualment coneixem com música clàssica, de tradició escrita i vinculada a l'aristocràcia, i la música folklòrica (per llavors música popular), de tradició oral i vinculada a una població fonamentalment rural.

Esta dualitat, que no feya sino reflectir la divisió social i cultural del públic, escomençarà a canviar en el desenroll de la Revolució Industrial. En països com Regne Unit i França, el creiximent de les ciutats, la burguesia i el florecimiento d'una classe mija urbana interessada en la cultura, promouen l'aparició d'espectàculs músic-teatrals. Estos es representaran de forma regular en llocs com les tavernes, jardins i salons de ball de Londres, o els teatres i els café-concert de París, i seran el caldo de cultiu per a la creació de cançons i atres composicions que aniran conformant una nova corrent, la música popular urbana. Els primers espectàculs d'este tipo són el ballad opera i el music hall en el Regne Unit, el teatre de varietats i el vaudeville en França, i un temps despuix el minstrel show en EE. UU. A estos se sumarien en les següents décades nous formats com el cabaret, la revista, el burlesque, etc.

Junt a este desenroll del món de l'espectàcul es produïx també un acostament de la música a les llars de la gent, basat per un costat en l'abaratiment dels instruments musicals, i per un atre en una disponibilitat cada volta major de partituras creades per al consum domèstic. Este nou mercat va permetre que molts compositorés, que en époques anteriors només podien treballar baix l'encàrrec d'una institució religiosa o com a empleats d'una cort o un important mecenes, pogueren ara convertir-se en professionals lliberals. Les seues creacions seran comercialisades per editores musicals que s'encarregaran també de tutelar els drets de la composició. Eixemples d'estes creacions es poden trobar en els lieder alemans de Schumann o les canzonette italianes de Donizetti, per a veu i piano, en les quals hi ha a sovint una estructura similar a la de moltes cançons pop modernes. Un fenomen similar ocorre en EE. UU. en l'indústria musical del Tin Pa Alley —en fortes raïls en folclore angloamericano—.

Per últim, en la segona mitat de el XIX també cobra força l'òpera llaugera o opereta, primer en París (en figures com Jacques Offenbach i el seu popular cancán), despuix en Viena (d'a on varen sorgir els famosos valses dels Strauss) i Londres. En Espanya també es va practicar el gènero de l'opereta, baix el nom de sarsuela.

XX

Els estils de la música popular occidental de el XIX, que es varen nutrir tant de fonts cultes com a folklòriques, varen seguir el seu desenroll en el XX paralelament a l'aparició de les noves corrents com el jazz o el roc.

Fins a la década de 1960, en el terreny vocal va prevaldre la cançó llaugera popularisada pels espectàculs de varietats i pels començos de la ràdio i del cine sonor, conservant certs caràcters propis en cada país. Aixina va ocórrer en el pop tradicional nortamericà, la cançó francesa o "chanson", la cançó italiana a on destaca la cançó napolitana, o la cançó alemana (representada pel Kabarett i el Schlager). Igualment succeïx en Espanya en la «cançó espanyola», el gènero de la qual més representatiu és primer el cuplé i despuix la copla. Llatinoamèrica per la seua banda va exportar gèneros com el bolero o els ritmes de ball tan populars com el tango, la rumba o el mambo.

En la segona mitat del sigle els espectàculs de varietats entren en decadència, i encara que la cançó llaugera seguirà gojant de notable popularitat fins als nostres dies, anirà cedint terreny −sobretot entre la gent jove− davant l'alvanç de la moderna música pop/roc, de la qual rebrà influència aplegant inclús a confondre's en ella. El resultat és el gènero conegut com cançó melòdica. Senyalar per últim la pervivencia en tot el XX d'un gènero mixt entre teatre, música popular i ball que, en orígens en el XIX, conservarà la seua fortalea fins als nostres dies: el musical. En epicentre creatiu en Broadway (Nova York) i West End (Londres), el musical va fructificar també en atres capitals europees, llatinoamericanes i asiàtiques.

Jazz, Roc i atres gèneros des de el XX

Artícul principal → Orígens del jazz.

Encara que en el periodo que va des del final de la Guerra de Secessió fins al fi de el XIX, ya existien bandes que tocaven alguna cosa semblat a un jazz rudimentari, sol considerar-se a Buddy Bolden com la primera figura de l'estil definit. Es denomina «estil Nova Orleans» a esta forma inicial del jazz. Encara no s'ha després de les influències del minstrel i conté les característiques del hot.

El tancament per les autoritats de Nova Orleans del barri de Storyville en 1917, va supondre un important contratemps per a la major part dels músics de jazz de la zona, puix en este districte d'oci es concentraven casi tots els locals de música en viu. Este fet va iniciar la migració dels músics cap a les ciutats del nort, i especialment a Chicago al començament de la década de 1920.

En l'últim terç de la década de 1920 en Nova York s'estava desenrollant una nova forma, que es va consolidar sobretot com a resultat de la migració massiva de músics de Chicago cap a la "ciutat dels rascacels". Les big bands varen ser les que varen marcar el rumbo d'un nou estil.

Els músics bebop posaven l'accent en el paper del soliste, que ya no era el de entertainer d'époques passades, sino un creador al servici només de la seua pròpia música.

El naiximent del cool va tindre lloc cap a fins dels anys quaranta. El nou estil es derivava del bebop, pero resultava una música més cerebral, que tenia com a principal objectiu l'establiment d'una atmòsfera "meditativa".

El bop va evolucionar i alguns músics varen desenrollar #formulació similars a les que ya s'havien donat en la música clàssica en els anys vint, en l'irrupció, per eixemple, de l'atonalidad en el jazz dels anys xixanta. Està acceptat per la crítica que el free jazz pren carta de naturalea en 1960, en la publicació del disc homònim d'Ornette Coleman.

El roc and roll va nàixer en els anys 50 com una música de ritme ràpit que sorgia fonamentalment d'un maridaje entre el rhythm and blues negre i el country blanc.

En la década dels 60, les figures dominants del roc primigeni americà va tindre que cedir protagonisme davant l'alvanç d'una nova onada de grups britànics que havien rebut la seua influència. Sorgix lo que es denominaria Invasió britànica, bandes que contribuirien a l'evolució del roc i al sorgiment de la nova cara de la música popular blanca: la música pop. Al mateix temps, es varen consolidar noves tendències entre els nortamericans de color, com el soul i el funk. Es va produir també en Estats Units un revival de la música folk, en la cançó protesta. Els anys 70 varen vore nàixer nous estils, com el hard roc i el heavy metal (variants del roc més dures i de guitarres elèctriques més distorsionades), el reggae d'orige jamaicà, el roc progressiu, el punk, el rap, la música disc (que va dominar les pistes de ball), o els primers passos de la música electrònica en l'àmbit de lo popular.

L'incorporació dels sons sintetisats i la popularitat del videoclip varen marcar l'estètica de la música pop dels 80. En els anys 90, el grunge i el roc alternatiu compartixen protagonisme en el britpop en les llistes d'èxits, mentres l'escena danse, vinculada a les pistes de ball, desenrolla una cada volta més variada prole de subgéneros electrònics (trance, drum and bass, chill-out, etc.).

La música popular entra aixina finalment en el XXI en un ya ampli bagage a les seues esquenes, caracterisat per la multitut de gèneros i estils que han anat prenent forma década despuix de década, i conformant un extens i variat cos de música apreciat per gent de distints gusts, edats, ideologies i #extracció socials a lo largo y ancho de tot lo món.

Vore també

• Dònes en la música
• Història de l'òpera
• Història de l'art

Notes

• Edward Strickland (1991). American Composers: Dialogues on Contemporary Music (en en), Bloomington: Indiana University Press. ISBN 0-253-35498-6.

• Edward Strickland (2000). Minimalism –Origins (en en), Bloomington: Indiana University Press, pp. 312. ISBN 978-0-253-21388-4. «Corrected and somewhat revised version of the original 1993 hardback edition»